ENTREVISTA A EVA FIGUEROA Y JUAN PEDRO ARROYO, ANIMADORES DE 'EL ASOMBROSO MUNDO DE GUMBALL'

Entrevista realizada por Jorge Yebra y Elena Padrón.

Y seguimos nuestra serie de entrevistas con otra muy especial. En este caso os presentamos a Eva Figueroa y Juan Pedro Arroyo (JuanPe), dos animadores e ilustradores españoles que se han tenido que marchar del país para triunfar en lo que querían hacer, al igual que os contamos que ocurrió con Julia Madrigal. Sin duda su trabajo más destacado ha sido su participación en 'El asombroso mundo de Gumball',  una de las producciones de Cartoon Network creada por Ben Bocquelet junto a Mic Graves y Richard Overall, que supuso una nueva edad dorada de la factoría de animación gracias a ésta y otras producciones como 'Hora de Aventuras', 'Steven Universe', 'Historias Corrientes', 'Clarence' o 'Más allá del jardín', que podéis ver en España a través del canal de tv Boing.

Naturales de Granada y Valencia respectivamente, Eva y JuanPe se conocieron estudiando Bellas Artes, donde descubrieron su amor por la animación, y desde entonces han sido inseparables. Se especializaron en la materia en Valencia, y tras un pequeño tiempo trabajando como freelancers y viendo la difícil situación que vivía la animación 2D en España, aceptaron una oferta para trabajar en el estudio de animación alemán SOI, donde comenzaron como asistentes de animación para la tercera temporada de 'Gumball'. Tras un tiempo aprendiendo allí, consiguieron trasladarse al estudio de Londres donde comenzaron a trabajar como animadores de claves, llegando incluso a ser supervisores de la animación. Ahora siguen en varios proyectos profesionales de animación mientras intentan desarrollar los suyos propios. Los conocimos en el Mercado de animación y videojuegos 3D Wire que se celebra en Segovia, donde dieron una charla sobre su trabajo y enseguida nos cautivaron por su talento y cercanía. 

Empecemos por el principio, ¿cómo llegasteis cada uno al mundo de la animación?

Juanpe: Desde que nos conocimos hemos compartido nuestro camino personal y profesional, por lo que la historia de como entramos en el mundo de la animación es la misma. 

Empezamos estudiando Bellas Artes en Granada donde nos conocimos, en cierto momento de la carrera decidimos centrar todo nuestro interés en animación y todo lo relacionado con el tema, fagotizamos todas las asignaturas de animación que nos ofrecía la Universidad de Granada  y nos trasladamos  a Valencia, a la UPV (Universidad Politécnica de Valencia) donde nos especializamos en un máster de animación.

También en Valencia es donde tuvimos nuestra primeras experiencias profesionales en el sector de la animación, antes de ir a Alemania y luego a Londres.

En vuestros inicios estabais enfocados en el dibujo y la ilustración, ¿por qué decidisteis centraros en la animación?

Eva: A mí me gustaba la animación desde siempre. Estudié Bellas Artes porque en ese momento me parecía el paso más natural para poder aprender esa disciplina. Yo siempre tuve claro que quería hacer cómic o animación, y en cierto momento me empezó a interesar más lo segundo.

J: (Refiriéndose a Eva). Tú animabas desde mucho antes que yo, y en cierto modo, creo que descubrí la animación gracias a ti. Dibujar siempre me ha gustado, pero para mí la animación tiene algo adicional,  la energía de la imagen en movimiento me interesaba muchísimo. Y cuando te conocí descubrí que yo también quería hacer eso y las asignaturas que había en Granada sobre el tema me molaban mucho. Realmente nunca pensamos en si tenía más salida o no, simplemente fue un interés personal.

Ahora estáis centrados en la animación, pero ¿os gustaría participar en proyectos de cómic o ilustración?

E: Sí nos interesan otras disciplinas,  de hecho, también hemos trabajado como artistas de storyboard, que, aunque sigue perteneciendo a la animación, es otro medio a explorar  dentro de la producción de animación que podría asemejarse al cómic en cierto modo. Y desde luego siempre hemos dicho que si tuviéramos dinero y tiempo libre nos gustaría hacer nuestro cómic propio.

J: La ilustración y el cómic nos atrae también por su aparente “inmediatez” comparado con la animación, por lo pronto no hay que animar cientos de fotogramas  para poder contar algo. La idea siempre nos ha rondado la cabeza. Es más, Eva tenía un proyecto de cómic relacionado con el juego de rol 'Dragones y Mazmorras'  que dibujaba en su tiempo libre con una amiga con la que trabajabamos en 'El Asombroso Mundo de Gumball'.  Yo no produzco tanto  porque soy menos organizado (risas). Pero sí, es una disciplina que tampoco descartamos.

Dibujo de Eva que diseñó para su presentación junto a JuanPe para el Mercado 3D Wire

¿Os sentís más dibujantes o animadores?

E:  Depende, al fin y al cabo dibujo o animación  son simplemente lenguajes.  Por ejemplo, a la hora de contar una historia  a lo mejor prefiero el cómic o escribir directamente, por ser lenguajes más inmediatos. Dependiendo de cómo queramos contar nuestras historias, nos sentimos más una cosa o la otra.

J: Cierto, Lo que queremos es ser Storytellers,  dibujar y animar son pasos previos y lo que une todo eso es una narrativa. Nos gusta contar historias y dependiendo de cómo lo queramos contar, me siento más animador o ilustrador. Aunque detrás de todo estos siempre está el síndrome del impostor que te hace dudar de llamarte a ti mismo de cualquier manera (risas).

Pero si tuviésemos que dar una respuesta más concreta, por el trabajo que hemos estado realizando en estos últimos años, nos podríamos considerar más animadores que ilustradores.

En este tiempo habéis estado en la función de animadores, que es una parte creativa, pero también es muy técnica, aunque imagino que uno de vuestros propósitos de cara al futuro será contar vuestras propias historias y realizar vuestros propios proyectos.

J: Sí, yo creo que todos los que nos dedicamos a esto tenemos como aspiración contar algo nuestro. Desde el principio nuestro plan era intentar entrar en una producción y aprender todo lo posible para después aplicarlo a nuestros propios proyectos. Y así fue, desde que tuvimos la suerte de empezar a trabajar en 'El Asombroso Mundo de Gumball', fue  todo un proceso de aprendizaje muy intenso. Pasamos por todas las posiciones en animación, desde asistente  a Supervisor, y en cada nueva etapa por dura que fuera aprendíamos algo nuevo que definitivamente estamos aplicando a nuestros proyectos personales.

¿Sentís que Gumball también es un proyecto vuestro? ¿Notan mucho la diferencia entre un proyecto propio o ajeno?

E: Gumball era un proyecto muy especial, estaba hecho con mucho cariño, cada departamento e individualmente los artistas ponían todo su talento en hacer la serie lo mejor posible. Todos podían aportar soluciones creativas a los retos que iban surgiendo más allá de sus responsabilidades específicas dentro del equipo, por lo que era difícil no sentir que había una conexión personal con el proyecto.

Pero, obviamente, no se puede comparar con la libertad que un proyecto propio te puede ofrecer, por muy implicados que se esté en la producción de cualquier serie, al final del día ésta pertenece al canal y, por supuesto, a su creador.

Ilustración de los personajes de 'Gumball' hecha por JuanPe

¿Sentís que teníais libertad en Gumball?

J: Sí, en cierto modo,  dentro del contexto de una producción de este tamaño y también dependiendo de la posición en la que estuvieses trabajando.

Por ejemplo: un artista de clean up no va a tener el mismo grado de libertad creativa que un Animador de claves Senior.  Pero obviamente esto se puede aplicar a cualquier producción.

Gumball era un caso muy peculiar. Esto empezaba con el propio estudio y, más concretamente, con el proceso de storyboard. 

El hecho de que toda la producción se encontrase en un mismo sitio, mismo edificio y misma planta, ayudaba mucho a la improvisación y a dejar margen creativo en las diferentes partes del proceso. Es más fácil improvisar un pequeña alteración de acting o un ajuste en el ángulo de cámara de una escena cuando en vez de escribir un email, u organizar una reunión,  puedo simplemente levantarme e ir a hablar con el supervisor de storyboard, el director o incluso el showrunner.

Todos los niveles de producción eran igualmente accesibles haciendo la comunicación más fluida y facilitando, incluso alentando, la creatividad.

En otras producciones donde el equipo de animación no se encuentra en el mismo edificio, algunas veces ni siquiera en el mismo país, los storyboards necesitan ser especialmente claros y definidos, en ocasiones llegando a ser casi layout o incluso claves de animación. En Gumball esto no era necesario, por lo que los artistas de storyboard se podían permitir ser mucho más sueltos, más expresivos y enfocar todos sus esfuerzos en pulir la narrativa en vez de en tener que definir los gestos específicos.  Dejando a los animadores un gran margen para poder, obviamente siguiendo las indicaciones del director, tomar control creativo de las escenas que animaban.

El animador podía proponer soluciones creativas más allá de simplemente copiar unas poses clave impuestas por un storyboard ya definido e inamovible. Esto hacía el trabajo de animador mucho más interesante y satisfactorio. 

¿En Gumball existía la figura del showrunner, esa persona que supervisa el proyecto de principio a fin imponiendo su visión creativa?

J: Ben Bocquelet lideraba el equipo de guión y el departamento de diseño, pero obviamente como creador sus responsabilidades e influencia eran palpables en todos los aspectos de la serie, sobre todo en la parte de storyboard, que era considerado prácticamente como otra iteración del proceso de guión.  Los mismo sucedía con Mic Graves (el Director de la serie), también involucrado en la escritura de guión y como director encargado de supervisar el pipeline de cada episodio, también desde el storyboard hasta la edición final, sobre todo centrándose en animación. En cierto modo, el proceso era bastante flexible y las responsabilidades de ambos se solapan a lo largo de la producción. 


¿Nos podéis contar las distintas funciones qué habéis realizado en la serie y en qué consistían?

J: La verdad es que hemos tenido mucha suerte en nuestra trayectoria, empezamos desde lo básico, asistente de animación, pasamos por Animadores de Claves hasta llegar a Supervisores de Animación y encima los dos juntos!

Como asistentes de animación, también llamados intercaladores o Clean up Artist, nos encargaremos de dar el acabado final, limpiar y añadir los fotogramas necesarios a la animación Rough o a sucio realizada por los animadores de claves.

Es un trabajo muy minucioso, perfecto para empezar en la industria. Gracias a esta posición pudimos desarrollar una disciplina de trabajo y consolidar nuestros conocimientos sobre los fundamentos básicos de la animación. Es una posición importante, pero el grado de responsabilidad es menor, por lo que te puedes permitir aprender de tus errores sin consecuencias demasiado catastróficas (risas).  Personalmente, cuando echo la vista atrás, me alegro de haber empezado de esa manera, y haber tenido la oportunidad de experimentar el proceso de animación desde la base. En mi opinión creo que esencial, sobre todo si se aspira a dirigir animación.

E: De ahí pasamos a trabajar como animadores de Claves.

El animador de claves se encarga de animar en rough o a sucio, las poses principales de los personajes en una escena, basándose en los dibujos y referencias del storyboard y las anotaciones del director.

Mientras que asistencia era una posición más técnica, éste es un trabajo mucho más creativo, más enfocado en el acting de los personajes, en conseguir que transmitan la emoción adecuada o en hacer que la broma funcione a la perfección. Y aprendimos que esto requiere una buena planificación, ser consciente no sólo de la escena en la que estás trabajando y cuál es la esencia de la misma, sino también cómo funciona dentro de la secuencia y en general cómo encaja dentro de la temática del propio episodio. Aprendimos cómo plasmar toda esta intencionalidad de forma expresiva y dinámica. Nos dimos cuenta de que requería un gran trabajo de planificación y reflexión antes, siquiera, de empezar a trazar ninguna línea. 

J: Y por último, trabajamos de Supervisores de Animación.

Como Supervisor de Animación nuestra función era dirigir al equipo de animación, siendo el nexo de unión entre el director de la serie, en este caso Mic Graves, y los animadores. De esta manera nos encargábamos de preparar los episodios, de generar material de referencia, de ajustar personajes para animación, transmitir las intenciones del director para con el acting y la narrativa de los personajes, revisar animación, e incluso, en ocasiones, animar escenas especiales.

Esta nueva posición  nos permitió poner en práctica lo que habíamos aprendido hasta entonces. No sólo dirigimos al equipo de Londres donde estaba la animación de claves, sino también al equipo de Clean up en Alemania donde habíamos trabajado en nuestro primer año en Gumball. Para nosotros fue esencial conocer de primera mano todos los pasos del proceso de animación: de esa manera podíamos comunicarnos de forma más precisa y saber hasta dónde podíamos llegar con cada departamento, optimizando esfuerzos. Fue una experiencia increíble, todo un reto de organización y trabajo en equipo y más en una serie tan compleja como 'El Asombroso Mundo de Gumball'.

Ilustración diseñada por Eva.

¿En qué consistía vuestra jornada de trabajo?

J: Por ejemplo nuestra jornada de trabajo como supervisores podía consistir en revisar los 11 minutos de animación de un episodio, escena por escena junto con el director de la serie.  Para mí, personalmente, era una de las partes más interesantes del proceso. No sólo consistía en revisar que la animación funcionase a nivel técnico y estético; también, y aquí es donde aprendí muchísimo, que funcionase a nivel narrativo. La animación como lenguaje está al servicio de la historia, y no al revés.

Tener la oportunidad de hablar de animación y narrativa con una de las personas con más experiencia de la producción fue todo un privilegio. 

¿Cuáles son vuestros referentes de animación o los dibujos que os gustaban de pequeños?

J: Hay una pequeña anécdota de cuando estaba en el instituto que creó, fue el detonante que me hizo querer dedicarme al arte en general y luego a la animación en particular.

Durante la clase de dibujo técnico Eduardo (nuestro profesor), me pilló dibujando un gato en el margen de un libro, el hombre que es muy majo me dijo: “Este gato se parece al que dibuja mi amigo de la facultad,  Juanjo Guarnido” yo no entendía nada y él continuó: “Sí, el animador de Disney, el autor de 'Blacksad'. Fue entonces cuando descubrí que había un artista granadino, que no sólo era un increíble animador sino que también era autor de una impresionante serie de cómics.  Fue toda una revelación y,  desde ese momento, supe que quería dedicarme a lo que hago ahora.

E: Yo recuerdo que a los 12 años me dio una obsesión muy fuerte con los videojuegos y los cómics de Sonic, al que dibujaba constantemente. Años más tarde me pasó con la estética del grupo musical 'Gorillaz', lo que influyó mucho en mi estilo.

P: Con tanto trabajo, ¿tenéis tiempo para leer cómics, ver animación…?

E: Yo estoy muy a tope con 'Dragones y Mazmorras', me parece muy chulo crear historias con amigos a través de un sistema de juegos. Más recientemente hemos leído o releído 'Scott Pilgrim' de Bryan Lee O'Malley, 'Fantasy Sports' de Sam Bosma, Head Lopper de Andrew Maclean, 'PTSD' de Guillaume Singelin, las tiras cómicas de Kate Beaton, que 'Nyma' de Enrique Fernández entre otros.

J: Puede sorprender pero no hemos sido muy fans de la animación japonesa hasta hace poco, recientemente nos hemos empezado a interesar más sobre todo por largometrajes como 'Summer Wars' de Mamoru Hosoda, La chica que saltaba a través del tiempo, también de Hosoda, 'Una carta para Momo' de Hiroyuki Okiura, y los clásicos de Ghibli. Nuestro director favorito de anime es Satoshi Kon, este hombre era capaz de contar historias imposibles de expresar en otro lenguaje que no fuese animación y al mismo tiempo, hacer que te olvides de que estas viendo un largometraje animado, todo un genio.

Preciosa y divertida animación diseñada por Eva.

P: ¿Qué estáis haciendo ahora?

E: Después de 'Gumball', trabajamos en la primera temporada de 'Elliott from Earth', una nueva serie de Cartoon Network, como artistas de storyboard; como autónomos en proyectos varios, de nuevo en storyboard o de animadores; y, actualmente, estamos trabajando en un proyecto del que aún no podemos revelar el nombre o la compañía, yo en storyboard y Juan Pedro en el rol de director de animación.

P: ¿Qué ha sido para vosotros trabajar para Cartoon Network?

E: Ha sido una gran experiencia, intensa, pero todo lo que merece la pena lo es.  La dedicación y el cariño del equipo hacia el proyecto era impresionante. Nos ha inspirado y enseñado mucho.

J: Sí, hemos sido unos privilegiados. Que nuestra primera gran experiencia dentro de la industria de la animación haya sido en un proyecto como 'El Asombroso Mundo de Gumball' no tiene precio. Hemos tenido mucha suerte y hemos trabajado muy duro para mantenerla.

P: ¿A largo plazo vuestro futuro ideal sería seguir en la cadena o tirar por otros caminos?

J: Realmente nuestro deseo sería hacer algo propio, ya sea cómic, serie o incluso juego. Está bien trabajar para otra gente, pero también probar lo nuestro, arriesgar y ver si la gente disfruta con nuestras historias.

The Amazing World of Gumball, 2D Key animation reel. JuanPe Arroyo. from Juan Pedro Arroyo Molina on Vimeo.

MUESTRA SYFY 2020, DÍA 3: CHAQUETAS, YAKUZAS Y JUEGOS DE MESA

Y al final todo llega a su fin. El domingo se celebró la última jornada de la Muestra Syfy.
Las colas para entrar a ver las proyecciones chocaban con la multitudinaria manifestación feminista que se celebraba por el Día de la Mujer, que pasaba por la Gran Vía madrileña, hecho que aprovecharon algunos asistentes para apoyar y recorrer algo de la manifestación antes y en los descansos de las proyecciones. 

La jornada comenzó con la proyección matinal de 'Regreso al Futuro', por su 35 aniversario (que viejos estamos, madre mía). Todo un lujo para los asistentes poder ver esta joya de la ciencia ficción en pantalla grande. No se sabía quienes disfrutaron más de la proyección, si los más pequeños viendo para muchos la película por primera vez o los más mayores, que se sabían algunos momentos y diálogos de memoria. A continuación pasemos con las nuevas propuestas que nos ofreció el festival. 

HUMAN LOST (Fuminori Kizaki)

La jornada de tarde comenzó con 'Human Lost', aunque muchos pensaron que para esto se hubiesen quedado en la manifestación. Las referencias del anime respecto a obras míticas de la animación japonesa como 'Akira' o 'Evangelion' eran evidentes, pero desgraciadamente este producto está muy lejos de esas dos míticas obras. Aunque visualmente es atractiva, su complicada y enrevesada trama, sus personajes sosos y su acumulación de acción por acción que acaba por dejar de impresionar al espectador, provoca que la cinta se convierta en una obra tediosa y complicada, especialmente para los espectadores occidentales que no están tan acostumbrados a esto tipo de historias y ritmos narrativos.  

LE DAIM (Quentin Dupieux)

Tras el anime japonés vino el turno de 'Le Daim', una película francesa de pequeña factura que hizo las delicias de los espectadores de la Muestra. Escrita y dirigida por Quentin Dupieux, cineasta francés especializado en comedias de humor negro con tramas alocadas, nos presenta su nueva joya protagonizada por nada más ni nada menos que por un irreconocible Jean Dujardin ('The Artist') que interpreta a un hombre recién divorciado que se obsesiona con una chaqueta de ante al estilo cowboy, lo que le hará realizar cualquier actor por ella. La cosa se complicará cuando se invente una vida de cineasta independiente y líe en su locura a una joven camarera aficionada a la edición de vídeo. La película está repleta de momentos ridículos y alocados que no dejarán indiferente al espectador hasta que la cosa se vaya todavía más de madre y llegar a un clímax final totalmente inesperado. 

FIRST LOVE (Takashi Miike)

Otro de los platos fuertes de la jornada era este 'First Love', en lo que significaba la vuelta del prolífico director Takashi Miike al cine de yakuzas, con una película enrevesada y llena de acción y de escenas violentas. Aunque no es la mejor obra del director, supone una pequeña vuelta a los orígenes del director y sin ser nada especial, gracias a su locura y sus excesos consiguió ser una diversión para los espectadores de la Sala 1 del Cine de la Prensa, hoy mucho más calmados y respetuosos que el día anterior. 

La guinda final de la Muestra la iba a poner 'The Boy: La Maldición de Brahms', secuela de la película de terror 'The Boy' realizada por el mismo equipo creativo. En esta ocasión Lauren Cohan ('The Walking Dead') era sustituida como protagonista por Katie Holmes ('Dawson Crece'), y la película proponía más dosis de terror que la primera. Sin embargo, un fallo técnico al querer emitir una escena como adelanto de ''Un lugar tranquilo 2', una sorpresa que tenía preparada la organización de Syfy, provocó que en la Sala 1 no sólo no se pudiera ver el adelante, sino que tampoco se pudiera ver la película programada. Así que, mientras en la Salas 2 y 3 vieron la clausura de la Muestra, la mitad de los asistentes de la Sala 1 se quedaron jugando a un juego de adivinar películas y series llamado "Spoilers". Si, si, tal cual. Y es que hay que reconocer el buen humor de los asistentes, que lejos de protestar y montar un pollo por el desgraciado fallo, la mayoría se lo tomó con muy buen humor. 
Y así se despidió un año más la Muestra Syfy, quizás el nivel de esta edición ha sido algo inferior al de otros años, pero aún así hemos tenido propuestas interesantes que han merecido la pena y otras que recordaremos en futuras ediciones. 
Un festival que cada año va creciendo un poco más y reuniendo a los seguidores del cine más fantástico. Para el próximo año, en mi opinión pediría más educación y respeto para que no se volviesen a repetir los desagradables actos que se vivieron el sábado tanto en la Sala 3 como en la Sala 1 y ya en lo que respecta a la propia organización, pediría a los programadores que innovaran un poco más con las propuestas que traigan. 
En los últimos años, la programación de la Muestra SYFY ha abusado de títulos con mucha acción o violencia. Por eso, de cara al próximo año pido algo distinto. Porque también hay ciencia ficción, fantasía y terror sin acción excesiva ni violencia, pero con mucha imaginación y creatividad, que es por lo que siempre se han caracterizado estos géneros. Más cosas como 'How to Talk to Girls at Parties', 'High-Rise', 'Absolutamente todo', 'Listening', 'Coherence', 'Your Name', 'Lo que hacemos en las sombras'... películas que en su día se proyectaron en la Muestra y tuvieron una gran acogida. Ahí queda mi propuesta y de momento esto es todo por ahí. ¡¡Hasta el año que viene, mandanguers de bien!!

MUESTRA SYFY 2020, DÍA 2: DEMONIOS, SECTAS Y ALUCINÓGENOS

E l sábado 7 de marzo se vivió la segunda jornada oficial (sin contar con la inauguración) de la Muestra Syfy, un día que nos dejó mucho mejor sabor de boca en lo que respecta a las películas proyectadas pero mucho peor si hablamos de la actitud de algunos asistentes. La jornada una vez más fue presentada por nuestra querida Leticia Dolera, que anunció que el domingo no asistiría ya que estaría en la manifestación por el Día de la Mujer y la lucha por la igualdad real. Un pequeño discurso que fue aplaudido por muchos asistentes pero donde también se pudieron escuchar comentarios machistas de muy mal gusto en las salas dichos por algunos energúmenos. A todos esos solo les podemos decir que no les queremos en la, denominada desde hace unos años,"Muestra del amor", donde se reivindica el amor, la igualdad y la diversidad. Pero tras este pequeño mal rollo, centrémonos en las películas.

THE CLEANSING HOUR (Damien LeVeck)

Tras la sesión matinal donde cualquiera que se pasara por los cines del Palacio de la Prensa pudo ver de forma gratuita ‘Trolls 2 – Gira Mundial’, la secuela de la película de animación de Dreamworks protagonizada de nuevo por las estrellas Anna Kendrick y Justin Timberlake en su versión original, por la tarde comenzó la mandanga de verdad. 'The Cleansing Hour' es una historia que combina exorcismos y la era de internet. Dos amigos se dedican a hacer un programa online en el que realizan exorcismos, aunque realmente todo es un show. La cosa se complicará cuando en una de sus recreaciones, aparecerá un demonio de verdad que les pondrá a prueba como nunca nadie lo había hecho. Todo lo que podría haber salido mal en esta obra no acaba siendo así. El director y guionista partían de un cortometraje inicial que hicieron tiempo atrás con la misma temática y tras el éxito relativo que tuvieron, se lanzaron a la aventura del largometraje. La película funciona, es entretenida, tiene buenos momentos de suspense y te acaba metiendo de lleno en el jaleo de los protagonistas. No es nada del otro mundo, pero todos los asistentes pasaron un buen rato. 

RABID (Jen y Sylvia Soska)

Las hermanas Soska nos traen este film canadiense que funciona como remake de la película homónima que escribió y dirigió el maestro David Cronenberg en 1977. 'Rabid' cuenta la historia de una joven interpretada por Laura Vandervoort ('Smalville'), que vive atrapada en el mundo de la moda, donde el físico y las apariencias son todo. En ese ecosistema, Rose sufre un accidente que le deforma la cara y comienza a creer que su vida se ha acabado. Totalmente desesperada, acepta someterse a un tratamiento experimental con células madre que no sólo recompone su piel, sino que la convierte en una mujer de una tremenda belleza. Pero todo tiene un precio... 'Rabid' es igual de loca y bizarra que su predecesora, añadiendo además el tinte del poder y la presión que ejerce el mundo de la moda sobre las mujeres. Tiene momentos muy locos y otros más fallidos, pero si consigues entrar en ella, puede ser un placer culpable muy jugoso. 

THE LODGE (Severin Fiala y Veronika Franz)

Uno de los platos fuertes del día sin duda era 'The Lodg'e, que venía con muy buenas palabras tras su paso por Sitges. La obra británica nos cuenta una historia inquietante, llena de tensión y desasosiego. Una película que se va cocinando a fuego lento hasta llegar a un clímax muy potente. Una historia que te pide sumergirte en el silencio para apreciar cada detalle que te muestra. Una atmósfera que pudieron disfrutar los asistentes de la Sala 2 y 3 del cine pero que vieron truncada los de la Sala 1, debido a la insistencia y a la mala educación de un puñado de personas que habían decidido que los protagonistas iban a ser ellos y no la película. La Sala mandanguer mola cuando se genera un cachondeo espontáneo entre los asistentes en función de la película que se esté proyectando, pero cuando se transforma en una competición por ver quién hace la broma más estúpida, además de perder toda la gracia, estás fastidiando el visionado al resto de espectadores. 

COLOR OUT OF SPACE (Richard Stanley)

Pasadas las 10 se proyectaba otro plato fuerte de la jornada, Richard Stanley, uno de los directores más polémicos de los últimos tiempos, nos presentaba esta historia basada en uno de los relatos más emblemáticos del mítico autor de terror Lovecraft, y encima protagonizada por el mismísimo Nicolas Cage, lo que aseguraba emociones fuertes en la sala. 'Color out of space' nos cuenta como la vida de la familia Gardner cambia tras estrellarse un meteorito en su granja, convirtiendo su vida en una pesadilla colorista y alucinógena. Tras presentarnos a la familia y el espacio donde ocurrirá toda la historia, la obra se convierte en un aluvión de locura y delirio que funciona con soltura e hizo las delicias de todos los asistentes, sumado a la interpretación de Cage, que va subiendo de tono según avanza la historia. Destacar también su preciosa fotografía y su gran trabajo en la dirección de arte. 

SATANIC PANIC (Chelsea Stardust Peters)

Para cerrar la jornada tuvimos una desmadrada comedia de terror sobre una pobre pizzera y los desafíos que tendrá que superar cuándo por culpa de una propina no pagada, su camino se cruce con una secta de millonarios satánicos. Una cinta con momentos de gore, humor negro y muy poca vergüenza, elementos idóneos para una sesión golfa de la Muestra, pese a no ser nada del otro mundo. 

Todavía nos queda una última jornada que promete darnos algunas de las joyas de esta edición. Seguiremos informando. 

MUESTRA SYFY 2020, INAUGURACIÓN Y DÍA 1: ROL, PERROS Y ZOMBIES

El pasado jueves 5 se inauguró un año más una nueva edición de la Muestra Syfy, un festival que reúne a los cinéfilos más frikis y gamberros que te puedes encontrar para una maratón que reúne lo mejor y lo peor del cine fantástico, pero que nunca deja indiferente a nadie.

La Muestra fue presentada por Gorka Vilar, uno de los responsables del canal Syfy junto a la directora, guionista, actriz y muy friki Leticia Dolera, que un año más ejerce de maestra de ceremonias en un evento en el que se lo pasa mejor que el propio público. En esta Muestra, Dolera recupera la niña friki que descubrió el cine de pequeña y sus intervenciones siempre están llenas de ingenio, frescura y espontaneidad, y sumado a la buena sintonía que tiene con el público, provocan momentos hilarantes. En estos dos primeros días ya le hemos visto chupar un plato con un dibujo hecho con supuesta sangre de regla que le regaló una espectadora y hacer de traductora improvisada ante el fallo de los subtítulos en una de las proyecciones. Impagable. Pero no nos entretengamos más y comencemos con toda la mandanga que se ha podido ver:

ONWARD (DAN SCANLON)

La Muestra tuvo el honor de inaugurar el festival con la nueva obra de la factoría Pixar, una de las productoras de animación más prestigiosas de las últimas décadas con obras como 'Toy Story', 'Wall-E', 'Up', 'Del Revés' o 'Coco'. En este caso al frente del proyecto se encuentra Dan Scanlon, una persona vinculada a Pixar durante casi toda su carrera y que escribió y dirigió 'Monstruos University'. Con 'Onward' podemos decir que le ha salido su obra más redonda. El largo de animación comienza con la sensación de que vas a ver algo que ya has visto antes, hay muchos elementos que nos suenan familiares, pero según avanza la historia, Scanlon sabe darle la vuelta para mostrarte una obra distinta, divertida y muy entretenida. Es una aventura con elementos de temática friki muy atractiva, los personajes son divertidos y adorables y el mensaje final acaba siendo muy emocionante. La crítica ha estado algo dividida con ella, y no sabemos cuál será su lugar en el ranking de películas de Pixar, pero lo que podemos decir es que para nada es un producto menor. Una vez más, un producto recomendado para grandes y pequeños. 

                                THE POOL (PING LUMPRAPLOENG)

La jornada del viernes comenzó con este thriller de acción tailandés que nos cuenta los problemas que tiene una pareja para escapar de un depredador mortal tras quedarse atrapados en una piscina. Todo muy loco, pero siendo de Tailandia, podría funcionar perfectamente y sumado al ambiente fiestero de la Sala 1, la sesión se podía salvar. Sin embargo, en esta ocasión no fue así y la obra acaba siendo un producto muy menor que ni siquiera funcionó para el cachondeo de la Muestra.

BLOOD QUANTUM (JEFF BARNABY)

La segunda sesión de la jornada fue para este largometraje canadiense con temática de zombies. A pesar de su mensaje ecologista, escenas muy bizarras y elementos interesantes, peca de lo mismo que la anterior y no pasa de ser un producto entretenido. 

SYNCHRONIC (JUSTIN BENSOON, AARON MOORHEAD)

Con 'Synchronic' había puestas más esperanzas. Con un equipo creativo especializado en obras de ciencia ficción y un reparto comandado por Jamie Dorman ('Cincuenta sombras de Grey') y Anthony Mackie ('Vengadores: Endgame' o 'Altered Carbon'), la película prometía. 

El guionista de la película estudió medicina y es creíble debido a la documentación médica que hay en la cinta, pero también a la falta de experiencia de escritura en el guion. En este caso nos encontramos con una de esas obras en las que tenemos una premisa interesante pero mal desarrollada. La película, que te muestra los viajes en el tiempo de una persona gracias a una nueva droga sintética, se acaba cayendo debido a conversaciones eternas entre los dos hombres protagonistas y que al igual que el destino de la obra, no acaban yendo a ningún lugar.

BACURAU (JULIANO DORNELLES)

Sin duda, Bacurao salvó la jornada. Tras conseguir el premio del jurado en los festivales de Cannes y Sitges, la obra demostró la razón de todo ello. Con un comienzo lento al que algunos no estarán acostumbrados, pero que es realmente efectivo para construir la calma que vendrá antes de la tormenta, esta cinta brasileña nos cuenta una historia de defensa y venganza contra el imperialismo rodada en un pueblo real en el que sus habitantes interpretan a muchos de los personajes del pueblo de la película. El pueblo de Bacurao no aparece en los mapas, y por este motivo algunos extranjeros creeen que pueden hacer con ellos lo que quieran. Pero los habitantes del pueblo se cuidan y se protegen como una gran familia, y no van a permitir que nadie venga a hacerles daño. Una fábula distópica llena de tensión y emotividad que atrapará a muchos. En este caso, los asistentes a la Sala 2 agradecieron poder disfrutar del largometraje sin las interrupciones y las bromas que ocurren en la Sala 1. Porque hay casos en los que es mejor poder disfrutar de una obra tranquilo.

SHED OF THE DEAD (DREW CULLINGHAM)

Donde sí se necesitaba la ayuda del público de la Muestra fue con la última cinta de la noche, pero ni con esas la cosa se pudo levantar. La sesión golfa del festival es algo dispar. En algunos casos te puedes encontrar con auténticas gamberradas que te alegren la noche o verdaderos desastres con los que no sepas ni qué decir. En esta ocasión me temo que estamos ante lo segundo. 'The Shed of the Dead' es una comedia británica de zombies que nace con una clara inspiración en 'Zombies Party' ('Shaun of the Dead'), pero que hace mal todo lo que conseguía la cinta de Edgar Wright. Con un guion que parece escrito por un niño de 13 años, la historia no arranca mal del todo hasta llegar a unos terrenos en los que se mascaba la vergüenza ajena en la sala.

Parece que la Muestra se ha dejado los platos fuertes para más tarde y esperamos que las próximas jornadas nos compensen con mandanga de la buena de verdad. 

17 MUESTRA SYFY DE CINE FANTÁSTICO: EL EVENTO DEL AÑO POR EL QUE MERECE LA PENA VIVIR EN MADRID (O ACERCARSE A LA CIUDAD)

Un año más, el canal de televisión SYFY, dedicado a la fantasía y sobre todo a la ciencia ficción, trae al público madrileño una nueva edición de la MUESTRA SYFY, un festival que nació para fomentar el cine de género y de ciencia ficción, convirtiéndose en una de las citas imprescindibles de la capital para cualquier amante del cine y de la diversión. 

La Muestra estará en Madrid del 5 al 8 de marzo, siendo el Cine Palacio de la Prensa de Madrid la sede del evento, como ha sido así en los últimos años. Durante estos cuatro días se podrá disfrutar de más de 15 sesiones de una selección del mejor (y a veces también el peor, jeje) cine de género. Todo lo que tenga que ver con el terror, lo sobrenatural, la ciencia ficción o la fantasía aquí es válido. Pero sobre todo, lo que está claro es que la diversión en la Muestra está garantizada. Sobre su programación, podemos destacar que por primera vez una película de animación será el título que inaugure el festival. En este caso, la elegida será ‘Onward’, de Pixar Animation, escrita y dirigida por Dan Scanlon, una persona vinculada a Pixar durante casi toda su carrera y que escribió y dirigió 'Monstruos University'.

Para el segundo día ya comienzan las largas sesiones de cine, con títulos como el thriller tailandés  ‘The Pool’, la canadiense sobre zombies ‘Blood Quantum’, la interesante ‘Synchronic’ o la brasileña 'Bacurau'. Cerrará la jornada en la sesión golfa (aunque ya de por sí en la Sala 1 todas las sesiones ya son golfas) 'Shed of the dead’, comedia británica también sobre zombies.

Para el sábado tendremos platos fuertes como la sobrenatural ‘The Cleansing Hour’, la terrorífica ‘Rabid’, la también interesante 'The Lodge' o ‘Color out of space', adaptación de uno de los relatos más emblemáticos del mítico autor de terror Lovecraft, protagonizada por el mismísimo Nicolas Cage, lo que asegura emociones fuertes en la sala. Cerrará la jornada en la sesión golfa la película 'Satanic Panic', que con el nombre ya lo dice todo. 

Para el último día abre la jornada ‘Human Lost’, filme de animación japonesa de ciencia ficción, la francesa ‘Le Daim’,  el thriller japonés ‘First Love‘, dirigida por el mítico director Takashi Miike. Para la clausura se proyectará 'The Boy: La maldición de Brahms', secuela del film de terror que nos contará una historia totalmente nueva protagonizada por Katie Holmes y  el joven Christopher Convery.

Además, como todos los años, tanto el sábado como el domingo la Muestra ha programado dos sesiones matinales dirigidas especialmente a los más pequeños, dentro de su bloque llamado "Syfy Kids". El sábado a las 12h se proyectará ‘Trolls 2 – Gira Mundial’, la secuela de la película de animación de Dreamworks, protagonizada de nuevo por las estrellas Anna Kendrick y Justin Timberlake en su versión original. Para la mañana del domingo se ha programado otro de los platos fuertes de la Muestra, ni más ni menos que 'Regreso al Futuro', coincidiendo con su 35 aniversario. 

Más allá de mejores o peores títulos en la programación (aunque está claro que cuanto mejores sean los títulos mejor se pasa), la Muestra te asegura una gran cantidad de diversión por el nivel de cachondeo que se produce en la Sala 1 del cine, conocida ya por muchos como la "Sala Mandanguer". Una sala donde por una vez al año, se hace un pacto y se rompe con las reglas de educación que hay que tener generalmente en una sala de cine, y dónde se puede gritar, soltar bromas y dejarte llevar por la adrenalina de la experiencia compartida. Para los que sean más clásicos y quieran disfrutar de los largometrajes en tranquilidad, siempre les quedará la Sala 2 y 3 (aunque se perderán una experiencia única).

La Muestra SYFY colabora de nuevo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción en estos días de cine.  Los establecimientos que se han sumando a la iniciativa ofrecerán a sus clientes tapas creadas para la ocasión: Vergara (C/ Vergara 1), La Traviata (Pza Isabel II, 2), Casa Nicasio (C/Unión 10), Taberna La Solea (C/ Mesoneros Romanos, 6), Cafetería Los Pinchitos (C/ Los Madrazos 7 y  C/ Esparteros, 9) y Cafetería Esparteros (C/ Esparteros 9).

Además, la plataforma de vídeo bajo demanda Sky volverá a ser por segundo año consecutivo el patrocinador principal del evento.

Aquí pueden ver la programación más al detalle o si quieren comprar bonos o entradas para las distintas sesiones pueden pinchar aquí. 

Desde Consumidor de Cultura iremos publicando a lo largo de todo el fin de semana diversas crónicas de todo lo que pasa en la Muestra con las críticas y análisis de cada proyección. No os lo perdáis.  

JAPAN WEEKEND 2020: SER OTAKU YA NO ES UNA MODA, ES UNA FORMA DE VIDA

El frikismo ya no es lo que era. Hace unos años eso de que te gustase el anime o considerarte otaku (aficionado a la cultura popular nipona) era de bichos raros. Ahora, con el boom que vivimos en la actualidad, donde lo friki se ha colocado casi en el escalafón más alto de la cultura popular, que no te guste nada de esto es casi de paleto. Ya no es que te gusten las series de animación japonesas, ahora lo normal es que te sepas mejor el mapa japonés que el de tu país, escribas tu nombre en kanjis japoneses y te sepas todas las coreografías de los grupos de música pop coreana.

Y ahí es donde entra la feria Japan Weekend, que de ser un encuentro para aficionados de la cultura popular oriental ha pasado a ser una cita fija para cualquier seguidor del dibujo y del entretenimiento mainstream. Con sus dos pabellones que ocupa en el IFEMA de Madrid podemos sentirnos desbordados ante tanta cantidad y variedad de oferta. 

En la entrada tenemos a las grandes editoriales y distribuidoras, que poseen los stands más ostentosos y espectaculares de la feria, donde puedes comprar tus mangas o tus Dvds/Blu-rays de tus series y pelis favoritas. A la izquierda tenemos la zona comercial, con un montón de tiendas y puestos capaces de venderte cualquier tipo de merchandising. Una zona que hace unos años predominaba toda la feria y afortunadamente se ha ido reduciendo en favor de otras zonas más interesantes.

A la derecha hay un escenario donde disfrutar de diversas conferencias y concursos de karaokes o cosplays y un ring y un tatami donde poder ver combates de wrestling y exhibiciones de artes marciales respectivamente. Al fondo tenemos la zona de videojuegos, tanto una zona para jugar a las últimas novedades o los juegos de moda como una zona de venta de videojuegos retro, perteneciente a la organización Retro Weekend Madrid, y la zona de comida, donde cualquiera puede degustar un sugerente ramen o endulzarse el paladar con un dorayaki.

Tras atravesar un pasillo donde podemos observar una galería de arte japonés y diversas tradiciones niponas como la ceremonia del té, pasamos al siguiente pabellón, el cual es más loco todavía. Zona de juegos de mesa, otra de baile donde todos los asistentes podían demostrar sus dotes después de llevar meses practicando, otras de firmas donde podías conocer a autores de mangas, actores de doblaje y cosplayers conocidos, más escenarios donde han actuado grupos de japón y se han hecho exhibiciones de baile y una galería de ilustraciones de arte Hentai solo apta para mayores de edad.

Pero lo que destaca en este pabellón es sin duda la zona de Artist Alley, cada vez más grande y ocupando esta vez casi la mitad de la feria. Allí cientos de dibujantes, ilustradores y artesanos profesionales y amateurs muestran y venden en sus stands las pequeñas obras de arte que pueden realizar con sus propias manos. Una parte que poco a poco se está convirtiendo en la estrella de la feria. 

Japan Weekend es un lugar mágico para muchos asistentes, donde pueden mostrarse como son realmente sin miedo a que nadie les juzgue o les diga nada por como visten o cómo actúas al realizar tus hobbys favoritos. Lo único que podría pedirle a la feria es que, como he leído a algunos otros, no se centre solo en la industria del manganime y de lo friki y nos muestre más de la cultura japonesa, además de tocar el cine en acción real japonés, con grandes e interesantes nombres en toda su historia, y con esto se diferenciarían de otras ferias como el Expomanga. 
Y es que la Japan Weekend  es un lugar dónde, como nos gusta decir, la factoría de animación Ghibli es una religión, los personajes de las series de anime de acción son considerados dioses y la música celestial suena a K-pop. 

ENTREVISTA A JULIA MADRIGAL, PREMIO EISNER 2019: PARTE DOS

Tras la primera parte de la entrevista con la dibujante e ilustradora Julia Madrigal, donde hablamos sobre su carrera, sus gustos, su método de trabajo y algunas de sus anécdotas a la hora de trabajar con las editoriales, y que podéis recuperar aquí, os dejamos con la segunda parte, donde profundizamos sobre la situación de la industria, los seguidores del noveno arte y en las claves para poder trabajar en este mundillo.  

Entrevista por Jorge Yebra y Elena Padrón.

¿Cómo te planteas el trabajo a la hora de colaborar con otras editoriales?, ¿te adaptas a su estilo o intentas plasmar tu sello?

A ti si te han llamado es por algo. Esa gente ve chorrocientos portfolios y si te ha cogido es que tu estilo de dibujo es parecido a lo que ellos quieren. Yo en Giant Days uso un estilo cartoon relativamente parecido al mío, tal vez forzando un poquito más la máquina, pero no era nada radical ni se alejaba mucho de lo que yo ya hacía. Si te llaman es por algo, así que, a menos que te digan expresamente algo, tú haz tu rollo. Yo siempre he recibido respeto en ese aspecto.

¿Qué crees que es importante a la hora de realizar el portfolio a la hora de que una editorial te tenga en cuenta?

Saber lo que buscan. ¿Qué le gusta a Marvel?, ¿Marvel te va a pedir tu proyecto personal? No. Si quieres ser dibujante te van a pedir páginas a lápices. Hay un montón de guiones de Marvel de prueba en internet o puedes rehacer las páginas de un cómic que te guste. Si quieres ser entintador puedes coges los lápices de otros y los entintas. E igual si quieres ser colorista. Pero a Marvel no les presentes tu manga porque le da igual. O al de DC o a una editorial francesa no les presentes algo de Marvel porque les  va a dar igual. Simplemente es saber qué es lo que piden de ti. Luego si les interesas, pues les puedes enseñar algo más personal. Para que vean que eres polivalente: “soy una artista muy prolífica, mírame” (risas).

¿Cómo haces para ponerte de acuerdo con otros artistas, entintadores, rotulistas, etc. al ser un trabajo en común?

Yo en este caso he hecho lápiz y tinta. Es siempre raro tener a otro colorista, porque a lo mejor tú te lo imaginas de otra manera, pero por eso no pienso en ello. El color es el trabajo de otra persona y lo acepto y lo respeto. Cuando es un trabajo personal es distinto porque prevalece tu visión y todo pasa por tus manos, el guion, los bocetos, el diseño de los personajes, el color… Pero cuando es algo común te tienes que adaptar. Por eso yo trabajo con guiones de otros, pero con mis guiones prefiero hacerlo todo yo.

Viñeta del cómic 'Giant Days' dibujada por Julia

¿Te gusta que los guiones sean más literarios y que puedas añadir información propia o prefieres que sean muy descriptivos para ceñirte a lo que hay en el papel?

A nivel personal creo que se me da bien narrar. Me gustan los guiones en los que sólo te dicen lo que pasa y te tienes que buscar la vida. Porque ahí puedo jugar y hacer virguerías, pero es una mierda si lo tienes que entregar en un mes. Si tengo poco tiempo dime cómo quieres la página y yo te la dibujo. Pero si me das tiempo me encanta, porque dibujar en teoría puede dibujar cualquiera, pero ese genio de la narrativa, ahí es donde veo yo toda la creatividad.

¿Qué tienes entre manos ahora? ¿Qué se puede contar de tus nuevos proyectos?

Nada, es un secreto (murmura) (ríe). Todo muy confidencial (bromea). No, para no gafarlo…

Tengo ahora la oferta de una miniserie americana y luego una novela gráfica para el mercado europeo, a ver si cuaja alguna de las dos. De momento tengo un poco abandonados mis proyectos personales y estoy trabajando en equipo con otra gente.

¿Qué te inspira a la hora de realizar tus proyectos?, ¿de qué te gusta hablar en tu trabajo?

De mí. Esto es un secreto no muy secreto porque lo digo todo el rato.

Yo siempre estoy hablando de mí en mis proyectos, de cosas que me pasan, de cosas que yo he aprendido. Porque es de lo que sé hablar al final.

Yo te puedo hablar de mi experiencia personal. Pero hablarte de las grandes verdades del universo no sé, se me escapan. Te puedo contar cómo he gestionado la pérdida de un ser querido y las formas sanas o no sanas de lidiar con ello y te lo puedo contar mientras que son dos personajes matando dragones. Te puedo hablar de cómo una mujer va definida por el hombre que tiene al lado y es una adaptación de Hamlet con Ofelia de protagonista. Pero es siempre desde lo que a mí me ha pasado y eso es lo que a mí me motiva. Para mí es casi de forma terapéutica. Yo necesito hablar de esto.

Porque si no me lo quedo por dentro y me está comiendo. Mis guiones son mi forma de gestionar mis sentimientos, de ponerlos en orden y de ver también un evento desde un punto de vista alejado para poder analizarlo, gestionarlo mejor.

¿Cómo ves el mundo del cómic en general desde tu perspectiva y tu experiencia? Desde el momento que estás viviendo, el momento creativo, la libertad creativa. Incluso cómo ves las ventas ahora que estás trabajando en una tienda.

Vamos a ver, yo estoy enamorada del cómic. Porque yo no sé hablar de otra manera.

No soy coherente en la hora de hablar ni en la forma de escribir (ríe). Pero contarte algo con el dibujo y con tres viñetitas es mi medio natural de expresión. El cómic para mí es mi forma de hablar. Y estoy absoluta y completamente enamorada de él.

Luego, a nivel de ventas, en Londres ha subido el precio de los cómics y vendemos menos por el tema del Brexit. En España y el resto del mundo no sé cómo estará. Ya a nivel de trabajo si eres una mujer, sobre todo, es un medio muy hostil.

Dibujo de Julia Madrigal

¿Tienes alguna anécdota relacionada con el mundillo?

Es que todas las anécdotas que tengo son de cosas malas que me han pasado que se me quedan grabadas en la cabeza (ríe). Sobre todo, cuando voy a dar una charla o algo la que suelo contar, sobre todo a las chicas, es simplemente como advertencia de lo que puede pasar. Fue una vez que presenté un proyecto a una editorial, un proyecto que además habla un poco a modo de denuncia de cómo a una mujer muchas veces se la define por el hombre que tiene al lado. Se lo presenté a la editorial y me dijeron: “está muy bien, pero nos preguntábamos si podrías trabajar con un hombre y que sea él quien te haga los dibujos, o que él te haga el guion y tú haces lo otro” y yo digo: “¿y si quiero hacer este proyecto yo sola?”, pero me contestaron “Ya, es que tu dibujo no es muy femenino y tu cómic no es para chicas…” y fue cómo: “¿¿Pero tú te has leído de que va el tebeo??” Esa es la que tengo de anécdota estrella.

Y luego en la tienda referente al mundo de los cómics muchas veces han cuestionado mi autoridad o mi gusto. Y más de una vez me han dicho “¿pero tú acaso lees cómic?”, pues mira, no sólo me leo todo lo que hay en la tienda, sino que además también los hago. Y si tienen que preguntar algo se lo suelen preguntar a mi contrapartida masculina. Eres la última persona a la que miran, aunque estés en la caja, aunque estés en la puerta nada más entrar. Es muy curioso que se lastre todavía peso a que te digan que ahora hay muchas más mujeres. Ya, pero si no cambia la mentalidad del conjunto no sé dónde vamos a parar…

¿Qué crees podemos hacer para cambiar eso?

Eso es algo que se tiene que gestionar cada uno… La editorial que me trata así pues no me apetece trabajar con ellos. A esa gente que me trata de esa manera en la caja pues ese es su problema… ¿qué podemos hacer? No voy a decir nombres, pero con un agente me pasó algo así.

Con mis compañeros varones tienen un trato mucho más abierto, mucho más afable y conmigo hay desconfianza. Literalmente en estas entrevistas de la Heroes Comic Con, un agente no cogió mi tarjeta, no miró mi portfolio y lo que dijo fue “a ver qué te dice Marvel y DC y si Marvel y DC te ponen ojitos, pues ya entonces eso quiere decir que eres digna y que yo puedo hablar contigo”. Obviamente a esa persona la taché.

Al final después de que me fuera bien, me agregó a Facebook y me sigue en Instagram.

¿Hay machismo en el cómic? Sí. ¿Qué se puede hacer? Pues seguir trabajando duro. No tengo ni idea, yo aquí sigo al pie del cañón, sigo haciendo mis cosas. De aquí nadie me va a quitar. Hay que seguir apoyando iniciativas como las de la Asociación de autoras de cómic españolas, un grupo para promocionar el trabajo de mujeres, para darles visibilidad.

¿Sientes que el cómic está en una buena época o estás cansada de ver siempre las mismas historias y series eternas?

Es que cuando un cómic me parece aburrido no lo leo. Estoy huyendo mucho de las series regulares de superhéroes porque me tienen frita. Pero estoy leyendo Miss Marvel, Squirrel girl, Spider Gwen, Moon girl, Shuri… A mí me gusta, no sé… Yo me gasto como 30 pavos en cómics a la semana. Cuando trabajaba en la tienda era como soltar a un yonki en una farmacia. Me gusta casi todo, no todo, de lo que saca Image, me gusta bastante Dark Horse, editoriales pequeñitas americanas como Arcaia.

¿Qué consejos le darías a gente que quiere adentrarse en este sector?

Prepárate, porque hay que trabajar mucho y muy duro. La gente dice que es suerte. Sí, ¿y las horas que has estado preparando el portfolio y estudiando el mercado qué?

Y luego ya las horas que tú le dedicas a dibujar y a perfeccionar tu arte. Esa suerte te la generas tú, de estar al día. Yo recomiendo que hay que tener mucha paciencia, hay que ser muy humilde con tu trabajo también y saber dónde estás. Hay que ser realistas en el sentido de: “¿estoy preparada para poder asumir que en 10 días tengo que tener once páginas con un nivel de calidad guay o no?” Hay que tener una mentalidad de trabajar muy duro. Saber que es una cosa muy sacrificada, esto es una carrera de fondo.