Tenía mis dudas sobre hacer un análisis sobre un producto así. El blog se llama Consumidor de Cultura, y no sabría decir si esto se le puede llamar cultura, pero lo que puede llamarse es televisión, y eso entra dentro de lo que es mi blog, buena o mala, eso ya lo analizaremos más tarde. No creo que ahora me vaya a poner a comentar realitys ni otros productos tróspidos, pero este programa creo que merece analizarlo un poco en el blog por varios factores.
En los últimos años se produjo un boom en la televisión española con el género de entrevistas. No era algo nuevo, pero tras unos años desaparecidas, personajes como Risto Mejide en programas como Viajando con Chester volvieron a poner al género de moda. Y la televisión pública quiso también tener su programa propio de entrevistas. El programa tenía que ser menos macarra y crudo que el de Risto y algo más blanco que el programa de La Fábrica de la tele, y para ello tenían al anfitrión adecuado.
Es posible que a la productora ProaMagna le hubiera gustado tener de entrevistador a alguien tan triunfador y carismático como Julio Iglesias, pero como quizá no podía ostentar a tener al conquistador latino, eligió a otro cantante famoso igual de truhán y latin lover, pero más campechano (como el antiguo Rey) y también más cuñado.
Por entonces hacía unos años que Bertín Osborne se encontraba fuera de los grandes focos, sobreviviendo mientras iba de gira por teatros con su show junto al cómico Arévalo (el que se hizo famoso hace décadas por sus chistes de "maricones y gangosos", si), y nadie se esperaba el bombazo que iba a dar.
Y es que Bertín deja a un lado la política y otros temas que podrían ser polémicos y encaja de manera perfecta en lo que quiere mostrar la productora. Un programa blanco dónde se muestre la ostentosidad de las casas de los invitados y del anfitrión, pero que a la vez muestre la cara más amable y cercana de ellos. Cada programa es un lavado de cara perfecto para invitado y presentador, dónde se potencia lo que más interesa de ellos. Mientras en las entrevistas de Risto, el presentador sabía como llevar la conversación para poder provocar al invitado y sacarle las partes más crudas e interesantes, Bertín utiliza una estructura fija: primero le pregunta por su infancia, después por sus méritos profesionales, y por último intenta pasar a la parte más sentimental para sacar su lado más humano y cercano. El que se haga en casa de uno u otro funciona, porque da el espectador la sensación de estar viendo parte de la intimidad de los protagonistas, su versión más natural, aunque ésta pueda ser impostada.
El programa tuvo grandes resultados de audiencia, pero un problema entre la televisión pública y productora hicieron que el formato quedara libre y que Mediaset lo aprovechara de forma hábil. De "En Tu Casa o en la Mía" pasó a ser "Mi Casa es la Tuya". Un cambio de nombre y un tono al programa aún más pasteloso fueron los pocos cambios que sufrió el formato que sigue consiguiendo una gran audiencia ahora para la cadena de Fuencarral.
Dos cuñados y un destino
Entre tema y tema el programa utiliza de separación una secuencia con un retrato del protagonista en primer plano con la casa o el jardín de fondo, a ritmo de una versión melódica de alguna canción conocida (que no pega absolutamente nada con el tema, y mucho menos la letra, pero como aquí no la entendemos y la música de la versión suelen ser baladas suaves...), y de paso nos ahorramos pagar derechos.
Todo el programa tiene tienes rancios y de casposidad. Si el invitado casi siempre hombre tiene pareja, lo cuadran todo para que la mujer de Bertín les acompañe y entretenga a la pareja del invitado. Mientras que por un lado los hombres se sientan en el sofá a hablar de "cosas de hombres", la mujeres se van a ver la casa a hablar de "cosas de mujeres".
El programa empieza y acaba con un discurso de Bertín en off sobre lo que espera conocer del invitado, y termina con una reflexión final sobre lo que ha descubierto a modo de resumen, que por mucho que intenten apañarlo, se nota que el hombre está leyendo un texto escrito por los guionistas. Como veis, todos ejemplos muy cutres.
Bertín, que va de maestro del gazpacho, demuestra lo poco que se ha acercado a una cocina al no saber como funciona la vitrocerámica, pero este hecho lo convierten en chiste y lo hacen aún todavía más cercano. Al ser un programa blanco y en el que todo está muy controlado, no hay nada que pase de lo políticamente correcto, pero de vez en cuando se escapan actitudes o comentarios casposos, rancios e incluso machistas de forma irremediable.
Da igual que te muestren la casa y la vida de un ex deportista famoso como Ángel Nieto o Carlos Moyá, un actor conocido que está de promoción como Mario Casas o José Coronado o cantantes por el mismo motivo como Alejandro Sanz y Antonio Orozco, o al peor presidente del gobierno de la historia de la democracia española, todos funcionan y todos quedan como el yerno perfecto a ojos de la audiencia.
Viva Ejjjpaña.
Llegó el momento en que se estrenó Dunkerque, sin duda una obra muy esperada al ser la nueva película de Cristopher Nolan, uno de los directores de cine con más transcendencia e importancia en los últimos años. Destacado por haber conseguido aunar el favor de crítica y público, teniendo una legión de fans que le siguen forma ferviente, los llamados "Nolanistas", pero contando también con un grupo de "haters" de su obra por diversos motivos. Yo personalmente nunca me he querido meter en ninguno de los dos bandos, he disfrutado mucho con varias de las obras del director inglés, al igual que he salido decepcionado con alguna de ellas. A pesar de sus declaraciones en más de una ocasión salidas de tiesto, para esta nueva obra intenté no contagiarme de ese odio que encuentras a veces por las redes y fui al cine optimista por las positivas primeras críticas dispuesto a vivir una experiencia audiovisual única. Me temo que tengo que decir que no lo conseguí del todo.
Después de habernos asombrado anteriormente jugando con el tiempo y la narrativa, de haber hecho una reimaginación del superhéroe como no se había hecho antes, de llevarnos al espacio a través de agujeros de gusano, solo le faltaba el golpe definitivo para seguir demostrando su deseo, que puede ser un digno sucesor del genio Stanley Kubrick: una película bélica situada en un episodio histórico de la Segunda Guerra Mundial. Dunkerque visualmente es espectacular, eso no se puede negar, pero carece de alma, por mucho que lo intentaba no conseguí entrar en ella. Aunque luego se me bajara algo (el hype), recuerdo salir de la anterior película del director, Interstellar, eufórico, excitado, emocionado. De Dunkerque salí medio aburrido y casi aliviado. Duro pero es así. Creo entender lo que Nolan ha querido hacer y mostrar, pero no he conseguido empezar a entrar en la "experiencia inmersiva" hasta el último tercio. Esperaba sufrir como un soldado más y realmente estaba pensando que hacía allí viendo esa playa sin interés. Su narración situada en tres flancos distintos, es un cúmulo de situaciones más que una historia en sí. Quizá la de la familia del barco es la "más historia", pero la narración de la obra me ha provocado tener cero empatía con los personajes. La ausencia de grandes diálogos no tiene porque ser un problema, y aquí lo es, yendo de un sitio a otro sin saber bien que está pasando.
Sigue sin colar que haya más de tres cientos mil soldados.
Y si no sabes algo de historia, es posible que termine la película y sigas sin saber de verdad lo que ocurrió en Dunkerque. Acaba pareciendo que el director utilice el suceso como excusa para mostrar imágenes de guerra "como nunca antes se había hecho". Las imágenes pueden ser muy espectaculares, pero no consiguió transmitirme el suplicio de los soldados, su supervivencia, la epopeya que se vivió realmente en esa playa. Una historia sin corazón y sin mensaje hace que solo acabe siendo una experiencia visual, y para eso casi prefiero obras como Gravity, dónde además si eras capaz de empatizar con la protagonista y sufrir con ella. Curioso que siendo una de las películas más cortas del director se me acabara haciendo larga. Y para colmo, la banda sonora de Zimmer me pareció pesadísima, el efecto que podía provocar al principio acaba desapareciendo a base de repetición. Estoy a la espera de un segundo visionado, y ojalá éste me haga ver más virtudes de las que encontré en el primero, pero no llego a entender las grandes críticas que se ha llevado por parte de todos. Si éste ha sido el intento de Nolan por convertirse en el director definitivo, solo puedo decir sintiéndolo, "vuelve a intentarlo". Esta vez (al menos a mí) no ha colado.
Puede que muchos de vosotros hayáis visto algún capítulo suelto de este anime alguna vez en vuestra vida, y puede que a muchos de los que haya sido el caso, os haya pasado indiferente. Bien, pues a mí no, desde mis más tiernos 6 años he estado obsesionada con este anime, y ha influido en mi vida de forma positiva más que muchas personas con las que me he ido encontrando en el camino. Y el porqué de todo esto os lo contaré a continuación:
Imagina que tienes 15 años, eres una estudiante japonesa, y un día por accidente viajas a la época feudal. Una vez en el pasado, resulta que debes proteger el objeto más valioso del mundo, una pequeña perla que puede conceder poder ilimitado y cualquier deseo. Esto es lo que le ocurre, de forma resumida, a la responsable e inteligente Kagome, la protagonista femenina de esta historia. Allí conocerá a InuYasha, que por su parte, es un medio demonio que quiere poseer la perla para convertirse en un demonio completo. Sin embargo, tras una escaramuza, la perla se parte en miles de pedazos que se esparcen por todo el mundo y que contienen su poder. De esta forma, ambos emprenderán un viaje para recuperar todos los fragmentos perdidos de la joya, mientras se van conociendo mutuamente y encontrándose con amigos y obstáculos en su aventura, siguiendo una estructura parecida a la de otros animes del mismo género como Dragon Ball o One Piece.
InuYasha es un shonen, categoría cuyo público es principalmente varones jóvenes. Por ello abundan las escenas de acción, se da mucha importancia al compañerismo y tiene una estética más oscura, nada de floripondios ni cursiladas. Es un desfile de sangre, lucha, espadas e insultos, sin descuidar los vínculos entre personajes.
La autora de esta obra es Rumiko Takahashi, conocida por otros mangas como Ranma ½ , Lamu o Maison Ikkou. El manga de Inuyasha fue publicado en 1996 y finalizó en 2008 con 56 tomos. En este tiempo se creó un anime, compuesto por 167 episodios que abarcó hasta el tomo 35. En 2010 se retomó el anime a partir del tomo 35 hasta el final, nombrada esta temporada como InuYasha Kankentsu-hen y cuenta con 26 episodios. Además de terminar la historia, se mejoró la calidad del dibujo y la animación. Pero además, Inuyasha es un fenómeno transmedia, cuenta también con 4 películas y 10 videojuegos, el último ha salido este mismo año para Android.
Aunque la historia tenga como título el nombre del protagonista, se trata en realidad de una trama coral. Los secundarios tienen mucho protagonismo y las relaciones entre ellos están muy desarrolladas. Todos los personajes tienen un claro objetivo dramático y un conflicto interior, no son simple decoración de la historia. Aunque la trama cuenta con un antagonista principal, Naraku, del que luego os hablaré, en cada episodio encontramos un demonio u obstáculo que ayuda a la creación y potenciación de vínculos entre personajes.
Personajes del anime
El grupo central de protagonistas está integrado por:
Inuyasha, agresivo, impulsivo, vengativo… Es el protagonista principal. Su deseo es convertirse en un auténtico demonio, y según se desarrolla la historia, saciar su sed de venganza por la muerte de su antigua amada. En cierto modo, es un antihéroe. Sin embargo, el desarrollo del personaje es muy interesante: empieza siendo muy egoísta y brusco, pero evoluciona conjuntamente con las subtramas de sus compañeros, cuánto más se relaciona con ellos, mejor persona se vuelve.
Kagome, extrovertida, inteligente, controladora y un poco cotilla. La parte femenina del dueto principal. Su objetivo también es completar la joya, para poder volver a su mundo. No obstante, la motivación del personaje es, principalmente, su trama amorosa con Inuyasha. Es el personaje con un conflicto interior más presente, en una continua lucha entre lo que quiere y lo que debe hacer. También es el único personaje de este grupo con un doble antagonista principal, por un lado, Naraku (antagonista común a todos los personajes), y por otro lado Kikyo, la otra parte implicada en su triángulo amoroso con Inuyasha. Las disputas entre Kagome e Inuyasha son frecuentes y conllevan momentos dramáticos y humorísticos. Ella es la reencarnación de Kikyo y tiene la presión de estar a la altura de su antecesora.
Miroku, un monje con una maldición: al quitarse el rosario, en la palma de su mano hay un agujero negro que lo devora todo y con el tiempo se hace más grande. Es una maldición hereditaria, que ya mató a su padre. El objetivo de Miroku es eliminar a Naraku, el artífice de su condena, antes de que el vórtice acabe con él, busca su propia salvación. A pesar de ser un personaje muy serio, es a la vez, un monje pervertido (característica muy clásica en el anime japonés), lo que crea situaciones cómicas.
Sango, es la última incorporación al grupo. Sango es una experta caza demonios, cuya familia ha sido aniquilada por Naraku. Su motivación, al igual que la de Inuyasha, es la venganza. Su conflicto interior es el más potente de la historia: su hermano pequeño está siendo controlado por Naraku y continuamente se tiene que enfrentar a él. Su hermano no recuerda nada, y su misión es matar a Sango y a todos sus compañeros, lo que llevará al personaje de Sango al borde del abismo emocional en muchas ocasiones.
Kirara, una gata de nueve colas y Shippo, un niño demonio huérfano, completan el elenco principal.
El antagonista de esta historia es Naraku. Podría decirse que “sólo quiere ver el mundo arder”. Disfruta creando sufrimiento y corrompiendo de maldad la joya, ya que la mayoría de fragmentos está en su poder. Es el caso del malvado que se hace más poderoso tras casi ser derrotado por el protagonista. Podríamos relacionarlo con Voldemort: cruel, búsqueda del poder que acaba con su humanidad, odio hacia los que considera inferiores (en este caso, humanos), y crea horrocruxes. No, no es broma. El personaje opuesto a Naraku es Inuyasha, sin embargo, para Naraku su enemigo esKikyo, la mujer a la que ama, lo que lo hace débil y se debe eliminar. No es un enemigo que dé la cara, más bien permanece oculto mientras manda a sus aliados (los mortífagos de la serie) y manipula todo lo que puede.
Kikyo y Sesshomaru se mueven entre la neutralidad y ambos bandos. Son los dos personajes más adultos y maduros, son serios y muy fríos. Sesshomaru es el hermanastro de Inuyasha, quiere derrotarle para demostrarse a sí mismo que es mejor que él y porque Inuyasha era el favorito de su padre. Sesshomaru también evoluciona, en cuanto a personalidad, gracias a la interacción con el resto de personajes.
Kikyo por su parte, es una sacerdotisa muerta y resucitada que se alimenta de almas de doncellas. Su objetivo dramático no se aclara hasta casi el final de la serie. En vida mantenía una relación amorosa con Inuyasha, y ahora se encuentra dentro de un triángulo amoroso. Personalmente, es el único personaje que no aguanto. Está muy bien elaborado, y es de vital importancia, pero… soy del team Kagome.
Por supuesto hay muchísimos más personajes desarrollados y con gran importancia, pero entonces este artículo podría ocupar 20 páginas.
La banda sonora es muy buena, está en completa armonía con las escenas del anime. Tanto los openings como los endings son una pasada, no hay ninguna canción mala y vale la pena escucharlos. El grupo catalán Charm tiene un disco reversionando en castellano, inglés, japonés y catalán todas las canciones de la serie, al igual que hacen con muchos otros animes, algo que tiene mucho mérito. Os dejo por aquí mi ending favorito:
Os aconsejo, sí podéis y queréis, a ver el anime en catalán. Es un doblaje excelente, las voces son muy expresivas y casan muy bien con los personajes; en castellano rechinan y son un tanto forzadas. Así que mi consejo es catalán o en japonés.
Es una serie muy rica en mitología e historia japonesa, ya que muchos de los monstruos contra los que lucha este grupo son seres de leyendas japonesas.
Naraku, Sesshomaru y Kikyo
A mí en particular me ayudó a volverme una persona más extrovertida, activa y valiente. Desde el capítulo 1 tuve una identificación personal con la protagonista, Kagome, así que todas mis acciones eran el resultado de un intento por parecerme más a ella. Kagome es una chica fuerte y valiente, una chica normal a la que de repente la vida la pone en una situación de responsabilidad y peligro de la que no puede escapar, aunque esté muy asustada. Siempre está en segundo plano, es torpe y la comparan con su rival. Pero sigue sonriendo a la vida, ayudando a los demás, esforzándose por superarse a sí misma, no se rinde, es educada y una buena samaritana. Para mi ella era mi ejemplo a seguir, solía repetirme “si Kagome puede, yo también debo poder”. Además de que ella se convirtiese en mi meta a ser, Inuyasha me enseñó que en la vida los amigos son muy importantes, y que no importa el número, sino la calidad. No hace falta ser la más popular del colegio, instituto o universidad, lo importante es estar cerca de gente que te complemente y te haga sentir segura y feliz.
Por mi parte, deciros que es un anime/manga 100% recomendadísimo, y darle las gracias a Jorge por darme la oportunidad de enfrentarme a esta hoja en blanco de la que tenía tanto que hablar y no lo sabía.
Edgar Wright ha vuelto tras su trilogía del Cornetto, (formada por Shaun of the Dead (aká Zombies Party) (2004), Hot Fuzz (aká Arma Fatal) (2007) y Bienvenidos al fin del Mundo(2013)), y la adaptación del cómicScott Pilgrim contra el mundo(2010), ahora nos trae otra película con toda su esencia.
Desde el principio de ésta, parece que el director te quiere decir "Esta película mola", con una dirección brillante y moderna, que nos recuerda a ese tono de películas que tienen el canon actual de "pelis molonas" como pueden ser El Lobo de Wall Street o Deadpool. Durante toda la obra, el director te lleva por un camino de emoción a ritmo de persecuciones, tensión y buena música.
Y es que si por algo destaca la película es por su colección de canciones que ambientan casi todo el metraje de la película, aparte de los homenajes al vinilo y al cassete. El protagonista, al que le llaman Baby, tiene un zumbido en los oídos debido a un accidente en su infancia, y siempre lleva puesta música en sus oídos para evadirse. Esta es la excusa para que la película esté llena de canciones durante todo lo que dura, destacando especialmente en las escenas de acción, las cuales son espectaculares.
Lo admito, si hay algo que me guste en una película es una buena secuencia musical, en el que imagen y sonido quieran transmitir alguna emoción o sentimiento determinado y lo consigan, y a mí con eso ya me ganaron.
Durante toda la obra se nota el ambiente desenfado y las ganas de pasarlo bien del director y de actores del reparto como Jon Hamm o Jamie Foxx, que no todos los días pueden hacer papeles de personajes tan desquiciados.
El protagonista Ansel Elgort se desenvuelve bien en el papel del joven protagonista, y la química que tiene con la actriz Lily James, junto a la que sostiene la trama romántica adolescente de la película, consiguen que sea un aliciente más del film.
La película tiene semejanzas en muchos de sus elementos con Drive, la grandiosa película de portagonizada por Ryan Gosling, pero si bien en ésta Edgar Wright varía en forma y fondo, prescinde de la profundidad y seriedad que tenía la película del danés Nicolas Winding Refn, y apuesta más por el tono desenfadado, más limpio y "cool".
Para colmo, en el tramo final el director decide dejar de lado toda la verosimilitud y opta por la locura y la adrenalina, coge ese espíritu juvenil de pasarlo bien sin mirar las consecuencias, y aunque parezca improbable, se puede decir que acaba funcionando de manera efectiva dentro de la obra.
Un film que disfrutarán tanto los seguidores del autor como los amantes del cine moderno y lleno de adrenalina, en lo que se convertirá en una apuesta segura para el cine de entretenimiento a partir de ahora.
Desde el 11 de Mayo hasta el 11 de Julio (todavía tenéis unos días para verlo) la Casa del Lector, situada en el espacio cultural Matadero de Madrid, alberga la exposición “Spirou en Madrid”. Se trata de un homenaje a un personaje que ha sido escrito y dibujado por muy diversos creadores durante las últimas cuatro décadas y que es uno de los ciclos fundamentales del cómic de la escuela franco-belga. La muestra es producto de la colaboración entre la editorial Dibbuks y la Fundación Germán Sánchez Ruipérez y recoge el testigo de una idea que vivida en etapas anteriores en otros lugares de España desde 2015, que ha consistido en la convocatoria a ilustradores de distintos lugares para que se sumaran al homenaje al personaje, inicialmente desarrollado por Frankin.
Spirouvio la luz el 21 de abril de 1938en la revista infantil del mismo nombre lanzada por el editor valón Jean Dupuis, quien encomendó al dibujante francés Rob-Vel la tarea de llevar a las viñetas su idea de personaje hiperactivo, travieso y aventurero, o como se solía llamar en el sur de Bélgica a los jóvenes revoltosos: un spirou ("ardilla" en dialecto valón).
Rob-Vel (1909-1991), quien también trabajaba en la hostelería, decidió darle el aspecto de un botones con uniforme y gorro rojos, y su creación conectó pronto con un público joven que se vio identificado en el carismático personaje.
Desde entonces, no ha parado de evolucionar a lo largo de más de sesenta aventuras recogidas en otros tantos álbumes y tras pasar por manos de diversos dibujantes, desde «papas» del cómic franco-belga como Jijé o Franquin hasta reconocidos autores contemporáneos como Schwartz, Emile Bravo o Yoann.
La exposición se compone de dos partes, una primera en la que nos cuenta la historia de la publicación del personaje a través de sus distintos autores, y otra en la que decenas de artistas han retratado a los personajes del cómic a su manera como homenaje.
Personalmente se echa de menos algo más en la parte de la historia de la obra, y que nos cuenten su legado y como éste personaje ha influenciado en el resto de obras europeas y en la sociedad. Aún así, la exposición es una delicia el ver como tan diferentes autores han retratado a los personajes de la obra, transmitiendo su amor o admiración hacia ella.
